Famoso por ser el responsable del arte visual de los Redonditos de Ricota, el ilustrador-diseñador Ricardo Cohen -«Rocambole»- presenta una muestra de su producción de imágenes en el Espacio Contemporáneo de Arte.
Revista «Hecho en Mendoza». N° 2. Abril de 2002
En un encuentro con el artista -en el seno mismo de la exposición- conversamos sobre su obra, su historia y su perspectiva del arte, entre otras yerbas. La muestra ya ha sido visitada por más de 5.000 mendocinos.
Es cierto que sos el dibujante más famoso y menos conocido?
Yo, lo que entiendo es que la fama es puro cuento. Imaginate cuanta gente famosa hay por ser delincuente. No creo que sea importante ser famoso, lo importante en el caso de un realizador, es que sus realizaciones entren de alguna manera en el tramado comunicacional de la gente y que le signifiquen algo, y que el realizador por lo menos, ponga su alma en eso.
Pero la publicidad apuntaba a lo conocidos que son tus trabajos con los redondos, no?
Si, el hecho que esté adherido al fenómeno que son los redondos ha hecho que la obra se divulgue de una manera que no pudiera haber pensado nunca, y bueno pero para mí es beneficioso que se pueda divulgar así la obra, porque lo que más puede querer un realizador es que su obra sea vista por la mayor cantidad de gente.
Por qué Rocambole en la ciudad de hielo?
Bueno eso fue un chascarrillo que hicimos a referencia del Palais de Glas, que es el lugar donde comenzó la muestra en Buenos Aires. Palais de Glas es también palacio de hielo, y por otra parte el Rocambole original, el héroe de folletín, los capítulos de sus hazañas siempre tenían ese tipo de nombre: Rocambole en la ciudad perdida…, o Rocambole y el misterio del tesoro perdido…..
Vos elegiste el seudónimo?
Sí, sí, yo elegí ese seudónimo por el folletín famoso, el folletín francés, se editaba en Buenos Aires en la década del treinta, y mi padre tenía esa colección y yo cuando chico me emocionaba con las aventuras de «Rocambole».
Desde cuando te dedicás al dibujo?
Me dedico al dibujo desde la misma edad que todos se dedican al dibujo, todos a los tres años empezamos a dibujar, empezamos a hacer garabatos, cuando nos dan un lápiz o una birome cuando tenemos más o menos tres años todos empezamos a dibujar, y eso es así hasta más o menos los cinco años. Entre los cinco y los doce años pasa algo que hace que el 95% se desaliente. Yo creo que eso que pasa es la educación formal, la escuela. Me parece que el hecho de plasmar imágenes es una cuestión fundamentalmente humana, es un rasgo humano, la humanidad inició esa operativa de realizar imágenes en sus edades más tempranas.
Previo al lenguaje….
Claro, todos conocemos que en el arte rupestre se empezaron a plasmar las primeras imágenes, y eso fue en los albores de la humanidad. Y lo mismo pasa en la historia del hombre como hombre, no? lo primero que hace -casi antes de hablar- es dibujar.
Y que fue lo que permitió que tu interés por las imágenes sobreviviera a la educación formal?
Bueno, creo que algunos niños son más tenaces y entonces soportan un poco más el hecho que se privilegie en la educación otros modos de entender la realidad. Hay dos modos fundamentales de entender la realidad, uno es el modo discursivo, que es el que usa el lenguaje, un modo lógico, del que se vale la ciencia. Y otro es un modo analógico, que es el modo visual. Uno aprehende la realidad con el ojo, y la información visual es mucho más compleja que la información que viene a través del lenguaje. En el lenguaje, la información es secuencial, empieza en una punta, sigue y termina en otra, en cambio en el ojo se ve de golpe, toda junta. Hay mayor cantidad de bits de información en una imagen que cuando lees, por ejemplo. Entonces yo pienso que la inteligencia visual es un modo más de entender el mundo, lo que pasa es que en la educación se privilegia el otro modo porque en la civilización que nos toca vivir es mas importante hablar, expresarse con el lenguaje, o saber matemática que expresarse con el arte, las imágenes, la música, la poesía……
Y en el niño que vos fuiste como sobrevivió?
Lo que pasa es que yo no sabía jugar bien al fútbol, ni tampoco sabía pelear muy bien, entonces para destacarme busqué alguna otra manera, le hacía caricaturas a mis compañeros y a ellos les gustaba porque bueno, tenía esa habilidad.
Qué técnicas utilizás en tus trabajos?
Yo soy un dibujante ilustrador, no me considero mucho un pintor de caballete, digamos un artista de las artes plásticas, sino mas bien un ilustrador. Y un ilustrador es una especie de trabajador de la imagen, la ilustración siempre ha acompañado todos los conceptos para terminar de explicarlos, los libros de texto llevan ilustraciones, no se concibe hoy en día ninguna aplicación formal del lenguaje sin un fuerte apoyo visual. Entonces los ilustradores hemos sido siempre –por lo menos los que yo he conocido- devoradores de técnicas, cuando vemos una técnica nueva enseguida queremos aprenderla para ver que es, que sale. Yo he apelado a casi todas las técnicas conocidas para realizar imágenes, de hecho he usado acuarelas, pinturas acrílicas, pinturas al óleo, he trabajado con aerógrafo, serigrafía, grabado, incluso en este último tiempo vengo trabajando bastante comprometido con el arte digital, con paletas en programas de computadora, estoy muy interesado en las técnicas de animación, aprendiendo programas que me permiten desarrollar todo eso. De todas maneras siempre entremezclo mucho lo manual con lo digital.
Cuales son tus referentes estéticos o artísticos?
Son principalmente dibujantes argentinos, como Alberto Brecia, Altuna, Nine, O’keef, Fati, también el gran dibujante mendocino Carlos Alonso, y otro escritor y pintor que pocos conocen, Fernando García Curquen, que vive en la ciudad de San Pedro pero no expone, para ver su obra hay que ir hasta San Pedro.
Y maestros de vida?
He conocido como todo el mundo personas que te forman, que te impactan de diversas maneras. En la época que estudiaba Bellas Artes conocí personas así. Por ejemplo Guillermo Martínez Olimán, un pintor muy anciano en la época en que yo lo conocí, formidable maestro, con él aprendí técnicas y el espíritu del concepto estético. Hay personas que con el solo hecho de entrar a un aula ya te están formando.
Entonces, hiciste estudios académicos….
Sí, entre otras cosas estudié plástica. De hecho soy profesor en la Facultad de Bellas Artes de La Plata. También estudié psicología, un poco de filosofía y humanidades en La Plata, pero mi mayor vínculo siempre estuvo con la plástica.
La estética va separada del contenido?
Yo no logro desentrañar mucho ese asunto, ya te digo, para mí hay una inteligencia visual y el contenido viene entremezclado, va surgiendo, o de repente lo puede desentrañar alguien mirando la imagen. Y en el caso de las imágenes, la película que se hacen aquellos que las disfrutan me parece más interesante que la que yo me propuse.
En tus trabajos pretendés comunicar en base a un mensaje previo?
No me preocupo previamente de comunicar. Si yo tuviera claro previamente lo que quiero comunicar, no me dedicaría a las artes plásticas, me dedicaría a escribir, por ejemplo. Para mí, una de las formas de entender lo que quiero comunicar es hacer el dibujo, si ya se como va a ser el dibujo o el cuadro entonces no vale la pena realizarlo. No hay un mensaje a priori, hay a lo mejor una sensación, algo flotando en el aire. En el asunto de las tapas de los discos, por ejemplo, como método escucho la música, me compenetro en la poesía y en el grupo de músicos que va a proponer el disco.
Y con Los Redondos como es el método de trabajo?
El caso de Los Redondos es muy particular. Soy amigo de ellos antes de que fueran los redondos, antes de antes, así que tenemos una relación muy estrecha, muy intensa. Los trabajos con ellos no se proponen secuencialmente, primero la música después la poesía y finalmente la gráfica. Se hace en paralelo, la única propuesta que hay al principio es “vamos a hacer un trabajo”, veamos a quien se le ocurre algo, hay por ahí una historia básica donde se especula tirando ideas tipo “brain storming”, la tormenta cerebral. Y a partir de ahí todos trabajan en paralelo, la música se sigue haciendo, la poesía y la gráfica, en base a una idea general. Cuando sentimos que la cosa está “redonda”, la juntamos, la pegoteamos y echamos todo al puchero.
Viviste un tiempo en Brasil?
Sí estuve en Brasil, alternativamente entre el 75 y el 79. Allí pude aprender algunas técnicas que después utilicé mucho como la aerografía. Trabajé en estudios de diseño, vinculados a producciones musicales. El rock siempre tuvo una gran injerencia en mi vida, desde que escuché el primer rockanroll, a los trece años, fue la música de fondo de casi todas mis actividades.
El espíritu del rock murió o mutó en esta postmodernidad?
Mutó, obviamente, como las cosas vivas. Cuando muera será cuando quede congelado. Artísticamente el rock apeló siempre a distintas expresiones para manifestarse, entonces encontrás rock sinfónico, étnico, blues cuadrado. Para mí es una cultura, un modo de hacer las cosas. Para mucha gente resultó en los finales del sesenta una cultura que hacía un intento para cambiar algunas circunstancias del mundo.
No quedó esa cultura procesada en hamburguesas y MTV?
El sistema capitalista en que vivimos tiene la virtud de tomar cualquier cosa que hagas, replicarla por millones, banalizarla, y alterar la policemia inherente a las cuestiones artísticas que algo pudiera haber tenido en un principio. Soy plenamente consciente de eso, pero siempre hay brechas en los cerrojos sociales, está la aparición de algunas individualidades contraculturales desde donde se producen algunos saltos.
Vos tenés una empresa de diseño, como se relaciona el arte con la empresa, con la cosa comercial?
Bueno no diría que tengo tanto como una empresa, mas bien un estudio o un taller. Yo no logro diferenciar un Arte con mayúscula, de la actividad manual productora de imágenes, siempre viví en el filo de ser un diseñador, un ilustrador, o un pintor, no estoy definido como eso. La división del trabajo nos acostumbró a la idea de que hay artes mayores, artes menores, artes comerciales o artes puras. Yo no creo en eso, yo creo en la realización. Un realizador de imágenes es para mí como un artesano, alguien que elabora cosas a través de una técnica y en la medida que lo hace con idoneidad las cosas que hace son mejores. No hago una cosa del arte con mayúsculas, no me interesa tampoco. Hago los trabajos que me gustan y los que no me gustan no los hago. Por ejemplo trabajar con músicos de rock me encanta. No voy a hacer algo que vaya contra mis ideas fundamentales.
El diseño es un arte o un arma de dominio?
Mirá, cuando veo que algunas producciones de diseño son cada vez más interesantes y expresivas, y voy a las galerías de arte y veo que las artes plásticas son cada vez más decorativas y comerciales, entonces ya no sé que pensar –risas. Veo líneas de acción creativas en la historieta, en el animé japonés, en algunas situaciones de video arte, en los video games, más interesantes que en las galerías.
Simultáneamente a la tuya se inauguró una muestra de historietistas mendocinos, que te pareció el trabajo?
El trabajo me pareció fantástico, me parece que hay un nivel muy elevado. De hecho soy admirador de un historietista mendocino –Giménez- que me parece asombroso.
Quienes son esos seres con cola y cuernos que aparecen en varias de tus obras?
Y…quizás somos nosotros mismos. Todos tenemos nuestros lados oscuros y nuestros lados claros, solo que tal vez ni los lados oscuros son tan malos, ni los claros son tan buenos.
Redondos Subtitulados 